In vendita i biglietti per il concerto del 23 luglio alle Ciasette

Sono in vendita i biglietti per il concerto del 23 Luglio alle Ciasette

Località CIASETTE Ore 19,30

Cinema Naturale

Tramonto musicato live da SAFIR NOU

Li trovate su
– presso gli uffici box office a Cagliari
– presso l’agenzia viaggi Tabarka a Carloforte
per qualsiasi informazione potete contattarci sui social
L’intero importo dei biglietti verrà devoluto all’OASI LIPU di Carloforte che ospita l’evento.

Conferenza Stampa presentazione Creuza de Mà 2022

Convocazione conferenza stampa
Creuza de Mà – Musica per cinema edizione numero sedici:
martedì 28 giugno (ore 11) la presentazione in video conferenza
del festival diretto da Gianfranco Cabiddu
in programma a Carloforte (Sud Sardegna) dal 19 al 24 luglio.
*

Martedì 28 giugno sarà presentata alla stampa la sedicesima edizione di Creuza de Mà – Musica per cinema, il festival ideato e diretto dal regista Gianfranco Cabiddu e organizzato dall’associazione culturale Backstage: una manifestazione unica nel suo genere in Sardegna, e tra le pochissime nel panorama dei festival nazionali e internazionali a ruotare interamente intorno al rapporto tra musica, suono e immagini in movimento, che rinnovando uno schema ben collaudato, si terrà  dal 19 al 24 luglio a Carloforte, il paese sull’isola di San Pietro, davanti alla costa sud-occidentale sarda, e poi a Cagliari ad ottobre.

Anche quest’anno il festival indagherà attraverso proiezioni di film e documentari, masterclass, concerti, incontri con musicisti, registi, attori.

La conferenza stampa, con inizio alle 11, si terrà in modalità video su piattaforma Zoom e verrà trasmessa in diretta streaming con collegamento ai canali social del festival (Facebook). Insieme al direttore artistico Gianfranco Cabiddu, interverrà una rappresentanza delle istituzioni e dei soggetti pubblici e privati che sostengono il festival.

Scarica la Cartella stampa (in aggiornamento)

Scarica il comunicato stampa

Scarica la brochure di Creuza de Mà 2022

Creuza de Mä torna a Cagliari: “Sonos ‘e Memoria” e “Passaggi di tempo”

Il cine-concerto ideato da Gianfranco Cabiddu, si basa su un film muto dello stesso regista, costruito con immagini d’archivio dell’Istituto Luce sulla Sardegna dagli anni ’20 agli anni ’50 con sequenze di Cagliari, tra cui rarissime immagini di S.Efisio, musicato dal vivo dal “meglio” della musica sarda: direzione musicale di Paolo Fresu con Elena Ledda, Mauro Palmas, Luigi Lai, Antonello Salis, Coro di Santulussurgiu.
Un ritorno attesissimo dal pubblico cagliaritano, a 18 anni dal successo incredibile al Teatro Lirico e il tutto esaurito 20 anni fa all’Anfi teatro cagliaritano: Sonos ‘e Memoria, debutta al 52°Festival del cinema di Venezia, e in 25 anni di vita ha girato i teatri di tutto il mondo con enorme successo.

 

Il film Passaggi di tempo fa da corollario al cine-concerto Sonos ‘e Memoria, segue il viaggio avventuroso di un gruppo di amici, regista e musicisti, stimolato dal ritrovamento di materiali inediti d’archivio che raccontano di una terra meravigliosa e oggi scomparsa, la Sardegna di ieri. Musica per gli occhi: attorno a queste vecchie immagini nasce pian piano il progetto del concerto-spettacolo Sonos ‘e Memoria che da 25 anni anni viene replicato in Italia e in tutto il mondo. E nel film si raccontano la genesi e l’anima segreta di Sonos ‘e memoria, i tour e le formidabili jam session in cui i musicisti sardi si incontrano con artisti internazionali, con un linguaggio fi lmico emozionante e coinvolgente.

Ambrogio Sparagna in concerto a Creuza de Mä [SOLD-OUT]

Ambrogio Sparagna, virtuoso dell’organetto e compositore, una delle figure di spicco della musica popolare italiana, autore di molte colonne sonore cinematografiche, sarà il protagonista, nella serata di sabato 28 agosto, di uno dei momenti più poetici e attesi del nostro Festival: il concerto – sonorizzazione del tramonto, esclusiva esperienza targata #creuzademà, di Cinema Naturale a Capo Sandalo, in località “Le Ciasette”.
Un evento speciale ed esclusivo che, sia per rispettare la fragilità del luogo che lo ospita, sia in osservanza delle norme anti-contagio, sarà a numero chiuso fino a esaurimento posti.
I biglietti sono disponibili in prevendita online nel circuito Box Office presso l’agenzia di viaggi Tabarka di Carloforte, al prezzo di 5 euro: l’incasso del concerto sarà devoluto alla Lipu, l’associazione per la conservazione della natura, la tutela della biodiversità, la promozione della cultura ecologica in Italia, come contributo per la salvaguardia della fauna che popola l’oasi Carloforte.
👉 Link per l’acquisto attraverso il portale BoxOffice Sardegna:
👉 Vi ricordiamo che dal 6 agosto per accedere agli eventi, come il Cinema Naturale alle Ciasette, è necessario esibire il GREEN PASS o l’esito di un tampone effettuato entro le precedenti 48 ore.
💚 Tutte le info sulla pagina nel sito del governo
Vi aspettiamo!!

Nada Malanima a Creuza de Mä 2021

Era il 1969 quando usciva “Ma che freddo fa”, straordinario successo di Nada Malanima.
52 anni dopo #Nada rimane un’Artista eccezionale, perfettamente a suo agio in ogni tempo, multidisciplinare, che si divide tra #musica, #cinema, #teatro, #letteratura.
Nada sarà con noi a Carloforte, sabato 28, nello spazio suggestivo dei Giardini di Note, a partire dalle 22, per un concerto intimo ed intensissimo, in perfetto stile #creuzadema.
Il concerto sarà a prenotazione obbligatoria, e l’accesso, secondo le normative vigenti, sarà consentito unicamente ai possessori di #greenpass.
Un concerto intimo, con posti limitati, per preservare la magia dell’esibizione di questa grandissima Artista: per partecipare, gratuitamente, basta mandare una mail (indicare in oggetto NADA) all’indirizzo segreteria.musicapercinema@gmail.com per garantirsi il proprio posto.
In risposta vi manderemo una mail con tutte le istruzioni per partecipare in totale sicurezza a questo imperdibile evento.
Appuntamento sabato 28, a Carloforte, con NADA.
Tutto il programma completo su: www.musicapercinema.it
crediti foto Nada: Claudia Pajewski

[Bando di iscrizione] Corso di Suono per il Cinema 2021

Corso di Suono per il Cinema

BANDO DI ISCRIZIONE

e regolamento

Dal 28 giugno al 02 luglio 2021 a Cagliari presso la sede Progetto Campus a Cagliari prenderà il via il Corso di introduzione al suono nel cinema nell’ambito di

Progetto Campus Musica e Suono per cinema e audiovisivi

a cura di Stefano Campus e Sandro Ivessich

( Docenti di Riferimento del Corso di Suono presso il CSC – Scuola Nazionale di Cinema di Roma )

 

DESCRIZIONE DEL CORSO

Un laboratorio didattico, teorico e pratico, di introduzione al suono cinematografico, con lezioni teoriche e una parte pratica per ogni argomento trattato, con esercizi sul campo con uso di attrezzatura di registrazione audio in presa diretta, visione e analisi di estratti da film come supporto didattico per spiegare le potenzialità narrative del suono applicato all’immagine.

Sarà articolato come segue:

– Introduzione teorica generale sul suono e sulla registrazione

– Il rapporto tra immagine e suono:

Campi sonori: primo piano, campo lungo

Suono diretto e suono ambientale

Suono fuori campo

Suoni puntuali ed uso narrativo del silenzio

Shock auditivo e suoni impulsive

Suono continuo e impulsivo

Musica

– Registrare il suono in presa diretta:

Preparazione e sopralluoghi

Lavorare con la Troupe

Riprese in interni/esterni

Trattamento acustico degli ambienti

Videocamere, Registratori, Mixer, Microfoni

Preamplificatori, equalizzatori, compressori e limitatori

Radiomicrofoni

Riprese in movimento (in macchina, treno, aereo, ecc.)

Riprese musicali live e playback

Ambienti ed effetti sonori

– Dalla Presa diretta alla Post Produzione

Riprese multicanale

Avid, Final Cut, Premiere: preparazione del materiale audio

Esportazione e trasferimento del suono su ProTools

– Introduzione al montaggio del suono

Editing digitale

Montaggio dialoghi di presa diretta

Ambienti

Effetti di sala/effetti speciali

Montaggio musiche

– Cenni di sound design

– Formati e supporti

Mono, Stereo, Dolby

Cinema, Tv, musica e multimedia: diversi tipi di ascolto

Finalizzazione e compatibilità

Il corso che accoglie fino a un massimo di 8 allievi e avrà durata di una settimana dal 28

giugno al 02 luglio 2021 , per un totale di 30 ore di lezione circa.

I lavori di registrazione sul campo svolti saranno inclusi in un portfolio di cui i partecipanti

potranno avvalersi come strumento di presentazione delle proprie competenze in ambito

professionale.

Diverse facoltà universitarie e conservatori di musica hanno riconosciuto ai nostri corsi il valore di credito formativo , ma poiché questo varia da facoltà a facoltà chi è interessato può informarsi presso i docenti della propria Università.

Il Corso di suono per il cinema fa parte dei moduli formativi del progetto Progetto Campus Musica e Suono per cinema e audiovisivi.

Il Progetto Campus Musica e suono per cinema e audiovisivi nasce per fornire una formazione interdisciplinare nella filiera di Suono e Musica per Cinema favorendo l’incontro esperienziale tra gli allievi al fine di raggiungere una sempre maggiore integrazione delle rispettive discipline, un continuo aggiornamento e un incremento delle occasioni di scambio e incontro.

Progetto Campus Musica e Suono per il cinema e audiovisivi è un progetto in paternariato del Festival Creuza de Mà-Musica per cinema e Fondazione Centro Sperimentale di Cinematografia Scuola Nazionale di Cinema, con il supporto della Fondazione Sardegna Film Commission .

Sede sede di Progetto Campus – Corso Vittorio Emanuele II n°68 a Cagliari

Durata Il corso è strutturato in un ciclo di lezioni della durata di 5 giorni, per un totale di 30 ore complessive circa.

 

Modalità di iscrizione

Inviare una mail di richiesta a corsi.campus.musica@gmail.com entro e non oltre il 10 giugno 2021

con Documento d’identità e Curriculum

Numero corsisti 8

Destinatari studenti del conservatorio, fonici, giovani compositori, musicisti e uditori

Data Dal 28 giugno al 02 luglio 2021

Luogo aula didattica allestita nella sede di Progetto Campus nel Corso Vittorio Emanuele II n°68 a Cagliari

Costo La frequenza è gratuita ed include anche i pranzi per le giornate di docenza.

L’ammissione sarà sottoposta all’insindacabile giudizio del docente.

Per saperne di più chiedere informazioni all’indirizzo mail: corsi.campus.musica@gmail.com

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Campus Musica e Suono per il cinema è un progetto in paternariato del Festival Creuza de Mà – Musica per Cinema e Fondazione Centro Sperimentale di Cinematografia, Scuola Nazionale di Cinema col sostegno della Fondazione Sardegna Film Commission

CSC Lab – Musica per Film 2021

A giugno prenderà il via la X edizione del CSC Lab Musica per film.

Alla presente edizione parteciperanno tra gli altri i compositori, Pivio (in coppia con Aldo De Scalzi 2 David di Donatello), Pasquale Catalano (un Nastro d’Argento e molteplici candidature ai David di Donatello), Carlo Crivelli (un Prix France Musique e un Premio Goffredo Petrassi), Vito Lo Re (La Ragazza nella nebbia, L’Uomo del labirinto), Francesco Cerasi (Se sei così ti dico sì, Fiore Gemello, Bentornato Presidente), il regista Gianfranco Cabiddu (un David di Donatello e un Globo d’oro) e il fonico Federico Savina (più di 300 film collaborando con Fellini, Antonioni, Visconti, Morricone, Rota, Goldsmith e L.Bernstein).

Durante il corso i partecipanti approfondiranno il rapporto tra Musica e Immagine con figure professionali come montatori, editori musicali, ingegneri del suono ed esperti di diritto d’autore.

Il corso si svolgerà in tre settimane di didattica frontale: dal 28 giugno al 2 luglio; dal 12 al 16 luglio; dal 26 al 30 luglio. Alla didattica frontale si aggiungerà un periodo di lavoro a distanza assistito dai docenti in preparazione del saggio finale.

Il corso di questa edizione si arricchisce di un modulo extra facoltativo che prevede la registrazione del proprio saggio finale con un quartetto d’archi. L’incisione si svolgerà nella struttura della Sud Ovest Records, importante studio di registrazione della Capitale, al costo complessivo di 350€. Il costo copre lo studio di registrazione, gli strumentisti e l’attività di tutoraggio a distanza ad opera dei docenti. Il modulo sarà attivato con un minimo di 4 iscritti.

I compositori partecipanti al Lab Musica saranno messi in contatto con gli allievi registi e montatori del Centro Sperimentale delle varie sedi che sottoporranno loro alcuni cortometraggi già ultimati o in fase di realizzazione. A insindacabile giudizio degli stessi allievi di regia, alcuni dei musicisti saranno chiamati a provvedere alla musica d’accompagnamento per tali cortometraggi. I lavori svolti saranno proiettati durante la cerimonia di chiusura e compatibilmente con la distribuzione dell’opera potranno essere inclusi in un portfolio che sarà consegnato all’allievo al termine del corso.

I saggi finali saranno finalizzati nelle sale mix del Centro Sperimentale di Cinematografia e i relativi mix saranno supervisionati da Federico Savina.

Alla cerimonia di consegna degli attestati di partecipazione, che si svolgerà in una data da definire nel mese di settembre, saranno effettuati ascolti analitici e discussioni sui lavori presentati. La valutazione dei docenti varrà come ultimo step prima della conclusione della parte didattica del corso.

Al conseguimento dell’attestato del CSC Lab Musica per film agli studenti sarà data la possibilità di essere inseriti in un database che verrà poi distribuito agli studenti di Regia, Montaggio e Produzione del Centro Sperimentale di Cinematografia, così da incoraggiare e agevolare nuove collaborazioni anche a Lab concluso. I compositori saranno poi coinvolti in successive call ogni qualvolta gli studenti di Regia e Montaggio cercheranno un musicista per le loro produzioni interne alla SNC.

Il CSC Lab Musica per Film è a cura di Angelo M. Farro e Andrea Grant, ai quali è anche affidata parte della didattica frontale.

Tra gli argomenti affrontati: estetica della musica per il cinema, film scoring e spotting session, i software musicali, l’orchestrazione reale e virtuale, l’editing musicale e la dialettica col montatore, editoria per il cinema, il giornalismo, il mix musicale e cinematografico, integrazione tra suoni musicali e non, musica elettronica e nuovi linguaggi, scrivere per il documentario, relazione e comunicazione con il regista, promozione e rapporti con i social e il web (a cura di Kristian Sensini).

Anche quest’anno il CSC Lab Musica per film prevede un’ulteriore offerta formativa, ponendosi come primo step di un percorso in tre fasi denominato: “Cine Campus Musica e suono per cinema e audiovisivi”.

Al termine del corso a Roma, limitatamente ai musicisti selezionati per i cortometraggi realizzati dagli allievi di regia, verrà offerto il coinvolgimento nel progetto Cine Campus, che si svolgerà a fine agosto, in Sardegna, nelle sedi di Carloforte e Cagliari, in concomitanza col Festival Creuza de Mà – Musica per cinema.

In questa trasferta gli allievi dei corsi di regia, montaggio e suono del CSC, assieme ai musicisti da loro prescelti svilupperanno ulteriori moduli formativi: dall’idea musicale al film finito.

Si tratta quindi di un percorso “completo” pensato per fornire un’esperienza compiuta e interdisciplinare nella filiera di suono e musica per cinema.

Gli allievi vivranno un’esperienza didattica comune in full immersion, partecipando agli incontri e alle masterclass tenuti da registi e musicisti ospiti del Festival Creuza de Mà – Musica per cinema, compiendo un percorso di apprendimento d’eccellenza.

Per i musicisti selezionati, il lavoro di sonorizzazione dei cortometraggi degli allievi CSC prevederà:

  • a Carloforte, la fase ideativa e preparatoria che vede coinvolti compositori, registi, montatori;
  • a Cagliari la fase realizzativa (registrazione musiche in studio, con possibilità di avere musicisti solisti turnisti, e missaggio delle musiche).

    La partecipazione e l’ospitalità al progetto Cine Campus e il soggiorno saranno totalmente gratuiti.

    Il Progetto “Cine Campus Musica e Suono per il cinema” è promosso in partenariato dalla Scuola Nazionale di Cinema della Fondazione Centro Sperimentale di Cinematografia e dal Festival Creuza de Mà – Musica per cinema, con il supporto della Fondazione Sardegna Film Commission.

    Sede: Centro Sperimentale di Cinematografia, via Tuscolana 1520 – Roma.

    Durata: Il corso è strutturato in un ciclo di lezioni che si terranno, dal lunedì al venerdì, dalle ore 9.00 alle ore 18.00. Con esclusione di martedì 29 giugno, giorno festivo nella Capitale.

    Iscrizione: Indirizza un’e-mail di richiesta a csclab@fondazionecsc.it allegando curriculum e 2 brani su video ove non possibile in formato MP3 (Max 10 Mb complessivi), senza limiti di durata entro e non oltre il 22 giugno 2021. Il conseguimento di titoli accademici non è pregiudiziale all’iscrizione al corso.

    Costo: La frequenza al CSC Lab Musica per Film avrà un costo di € 1.000.

    Alloggio: presso la residenza del Centro Sperimentale saranno disponibili per i partecipanti camere singole con bagno, a € 25 a notte a persona, su prenotazione a residenza@fondazionecsc.it fino a esaurimento.

    Diverse facoltà universitarie hanno riconosciuto ai nostri corsi il valore di credito formativo, ma poiché questo varia da facoltà a facoltà chi è interessato può informarsi presso i docenti della propria Università.

    Info: www.fondazionecsc.it

 

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Campus Musica e Suono per il cinema è un progetto in paternariato del Festival Creuza de Mà – Musica per Cinema e Fondazione Centro Sperimentale di Cinematografia, Scuola Nazionale di Cinema col sostegno della Fondazione Sardegna Film Commission

Conferenza Stampa presentazione Creuza de Mà 2020

Convocazione conferenza stampa
Creuza de Mà – Musica per cinema edizione numero quattordici:
martedì 4 agosto (ore 11) la presentazione in video conferenza
del festival diretto da Gianfranco Cabiddu
in programma a Carloforte (Sud Sardegna) dal 26 al 30 agosto.
*

Martedì 4 agosto sarà presentata alla stampa la quattordicesima edizione di Creuza de Mà – Musica per cinema, il festival ideato e diretto dal regista Gianfranco Cabiddu e organizzato dall’associazione culturale Backstage: una manifestazione unica nel suo genere in Sardegna, e tra le pochissime nel panorama dei festival nazionali e internazionali a ruotare interamente intorno al rapporto tra musica, suono e immagini in movimento, che rinnovando uno schema ben collaudato, si terrà in due diversi momenti: dal 26 al 30 agosto a Carloforte, il paese sull’isola di San Pietro, davanti alla costa sud-occidentale sarda, e poi a Cagliari a settembre e ottobre.

Anche quest’anno, nonostante il difficile momento storico, il festival indagherà attraverso proiezioni di film e documentari, masterclass, concerti, incontri con musicisti, registi, attori. Tra gli ospiti della prima tranche, Neri Marcorè, Vincenzo Marra, Pasquale Catalano, Giorgio Diritti e Claudio Giovannesi.

La conferenza stampa, con inizio alle 11, si terrà in modalità video su piattaforma Zoom e verrà trasmessa in diretta streaming con collegamento ai canali social del festival (Facebook, Instagram e Twitter). Insieme al direttore artistico Gianfranco Cabiddu, interverrà una rappresentanza delle istituzioni e dei soggetti pubblici e privati che sostengono il festival.

I giornalisti interessati potranno partecipare alla videoconferenza cliccando sul link:

https://bit.ly/3jXNAqM
ID riunione: 983 7319 3561
Passcode: 397125

2020: Noi non ci fermiamo!

Questa edizione sarà speciale e noi siamo molto felici di annunciarla , all’originalità  e completezza di un progetto cinematografico e musicale  tra i più attesi dell’anno,  si aggiunge il rispetto delle regolamentazioni in continuo assestamento per contrastare il Covid19.
MA NOI NON CI FERMIAMO
Appuntamento a Carloforte, dal 26 al 30 agosto 2020!

Trasporto marittimo locale a tariffe super scontate

Il Comune di Carloforte, in occasione del Festival Creuza de Mà – Musica per Cinema,

offre delle tariffe super scontate nell’ambito del trasporto marittimo locale nei giorni

14-15-16 settembre 2018.

Tali tariffe prevederanno l’importo per singolo passeggero nella formula Andata e Ritorno di:

€ 3,90 sulla tratta Carloforte – Portovesme

€ 3,50 sulla tratta Carloforte – Calasetta.

Da tali importi è escluso il Contributo di Sbarco che equivale al costo di € 1,50 .

Comunicato Stampa Comune Carloforte

Il diario della prima MasterClass “Sergio Miceli” a Cagliari

7/12 novembre 2016  

di Gianmarco Diana

Si è svolta, dal 7 all’12 novembre presso il Conservatorio Pierluigi Da Palestrina di Cagliari, la prima MasterClass di “Tecnica di composizione musicale per il cinema”, tenuta dal compositore romano  Franco Piersanti, intitolata al grande Sergio Miceli ed organizzata dalla direzione del Festival “Creuza de Mà – Musica per film”, come primo appuntamento didattico nell’ambito delle attività del proprio decennale.

Ho avuto l’opportunità di partecipare al corso come uditore e questa che vi accingete a leggere è una piccola cronistoria dei sette giorni appassionanti passati insieme al Maestro Piersanti e ai corsisti – compositori e uditori, provenienti da tutta Italia – all’interno dell’aula messa a disposizione per l’occasione dal conservatorio, dotata di maxi schermo, uno straordinario pianoforte Bösendorfer Imperial (97 tasti ed otto ottave piene!) ed un’acustica invidiabile.

Le finalità del corso, espresse chiaramente già nel comunicato stampa, erano quelle di conoscere ed affinare le tecniche della drammaturgia musicale applicata al cinema, attraverso esempi audio e video che ripercorrono la storia della musica nel cinema; a questo si aggiunge l’opportunità di studiare – assieme ad un compositore d’esperienza – su partiture di maestri e autori classici.

La parte teorica e storica sfocia poi in una pratica, fatta di esperienze di scrittura su piccole scene da realizzare musicalmente, affrontando tutta la parte inerente l’organizzazione del lavoro di registrazione ed editing musicale.

Si tratta, come confermato in apertura del primo incontro dallo stesso Piersanti, di uno schema strutturale che aveva costruito insieme a Sergio Miceli, nel quale quest’ultimo si occupava di tutta la parte di storia della musica applicata con i relativi, approfonditi raffronti audio-visivi, mentre il Maestro si occupava dell’esame delle partiture e degli esercizi di composizione.

E non sono mancate splendide parole ed un commosso ricordo dell’amico Miceli (scomparso proprio quest’anno), dato che si trattava della prima volta in cui Piersanti conduceva questi incontri-seminario da solo, da quando – verso la fine degli anni Novanta – aveva prima affiancato, poi sostituito, l’amico e collega Ennio Morricone nella conduzione abbinata di questo corso.

Così, nel raccontarci – da subito – in che modo questo corso fosse figlio dell’esperienza di Sergio Miceli come codocente con Morricone nei Corsi estivi di perfezionamento dell’Accademia Musicale Chigiana di Siena (“Musica per film 1991-1996”) ed impostato sulla sua fondamentale pubblicazione “Musica per film. Storia. Estetica. Analisi. Tipologie” (Le sfere, 2009), il Maestro romano codifica le coordinate del percorso che affronteremo.

“Io mi definisco un compositore che ha trovato un’opportunità nel cinema”: con queste parole Piersanti introduce il discorso relativo a come sia cambiata la figura del compositore per il cinema negli ultimi trent’anni; partendo dalla sua personale esperienza, il Maestro ci spiega che questa affermazione si riferisce a quel particolare linguaggio che parlano i registi cinematografici, fatto più di suggestioni verbali che di musica vera e propria: l’obbiettivo dovrebbe essere quello di ricercare un’aderenza tra la visione astratta/non musicale del regista e quella pratica/musicale del compositore, ciò che si è realizzato nei migliori esempi di collaborazione tra professionisti di calibro come Alfred Hitchcock e Bernard Herrmann, Federico Fellini e Nino Rota, Sergio Leone ed Ennio Morricone, Roman Polanski e Krzsystof Komeda o Philippe Sarde, per non citare che i più noti.

Il tono è rilassato, colloquiale, le cose da dire tante, come se il Maestro stesse ancora prendendo le misure: ci chiede qualcosa di noi, cosa ci piace, se conosciamo determinati registi e compositori e si stupisce, favorevolmente, per la buona preparazione della classe.

Si parla di “temporary tracks” (quei brani di repertorio aggiunti sulle immagini dal regista o il montatore durante il mixaggio/pre-montaggio, per indirizzare il commento musicale – ndr) e di come il loro uso ormai diffuso stia diventando limitante per il compositore: considerato che la giustapposizione della musica alle immagini produce sempre e comunque un effetto, la pratica delle “temp tracks” finisce spesso col fissare il “mood” generale della colonna sonora – anche in modo inconscio nella mente del regista – con gli ovvi problemi di libertà compositiva ed interpretativa del musicista.

Cominciamo poi con i primi ascolti di compositori per il cinema, in alcuni casi uniti alle sequenze che sonorizzano, in altri no: Komeda per i titoli di “Rosemary’s baby” (1968) di Polanski, Nicola Piovani per “La notte di San Lorenzo” (1982) dei Fratelli Taviani, Philippe Sarde per “L’inquilino del terzo piano” (1976), sempre di Polanski, Ennio Morricone per “La battaglia di Algeri” (1966) di Gillo Pontecorvo.

“Nella scrittura tematica, in quella per il cinema in generale, è fondamentale creare l’incanto, il trasporto” afferma Piersanti al termine degli ascolti in questione, poco prima di affidare ai compositori iscritti al corso il loro primo esercizio: la composizione di una ninna nanna “storta e malata”, fissando l’organico a 4 strumenti più una voce, su un testo del poeta inglese John Donne.

Dopo una veloce pausa pranzo siamo di nuovo in aula per un’altra serie di ascolti: per parlare di drammaturgia musicale analizziamo il lavoro di Bernard Herrmann, un compositore fondamentale per la musica applicata e per lo stesso Piersanti, che confessa di amarlo tantissimo; analizziamo diversi estratti audio-visivi dalla sua produzione, dalla mitica scena della doccia in “Psyco” (1960) ai titoli di testa o altre scene tratte da film come “Twisted nerve” (1968) di Roy Boulting, “Taxi driver” (1976) di Martin Scorsese, ”Sisters” (1973) e “Obsession” (1976) di Brian De Palma.

La carriera di Herrmann è esemplificativa di alcune regole importanti nella scrittura per il grande schermo: il compositore, anche dopo aver parlato col regista e lo sceneggiatore,  dopo aver visto il film o alcune sue parti alla moviola, dopo aver letto la sceneggiatura o visitato il set durante le riprese, deve comunque riuscire a rimanere “distaccato”, a mantenere la mente aperta, ad usare l’immaginazione, a mantenere un pensiero musicale autonomo, fluido e libero.

Piersanti ci racconta di come la famosa sequenza musicata della doccia – che originariamente non doveva avere commento sonoro – sia molto più complessa di quello che appaia (e di come sia concettualmente legata alla chiaccherata sulla tassidermia che Norman Bates e Marion Crane fanno nel salottino del motel, qualche minuto prima): quei violini acuti e taglienti non solo sottolineano l’affondo delle coltellate, ma in qualche modo rappresentano la voce stessa degli animali impagliati (cfr. “A Heart at Fire’s Center: The Life and Music of Bernard Herrmann” By Steven C. Smith, Maggio, 2002); l’invito è, dunque, quello ad evitare il didascalismo, la retorica musicale, a mantenere sempre una proporzione tra musica e immagini, per non incorrere in indesiderati effetti stranianti o grotteschi, perchè “anche il <<non dire>> è importante nella musica, soprattutto in quella per il cinema”.

I giorni successivi filano via in maniera più spedita, come se il ghiaccio fosse stato rotto, ed anche lo scambio tra docente e corsisti si fa più serrato.

Piersanti insiste sulla caratteristica di “autonomia” che la musica per il cinema deve mantenere rispetto alle immagini.

Parliamo dunque di “autonomia” della musica riferendoci alla necessità (già espressa chiaramente da alcuni compositori, su tutti Ennio Morricone) che la musica si “regga in piedi da sola”, anche senza l’accoppiamento con le immagini per le quali – paradossalmente – è stata creata.

L’argomento è interessante e provoca immediatamente una serie di botta e risposta tra corsisti; per dimostrare l’assunto il Maestro procede con una nuova serie di ascolti e visioni cinematografiche: guardiamo ed ascoltiamo i titoli di testa del film inglese “Tom Jones” (1963) diretto da Tony Richardson, ma la musica originale, composta da John Addison, la ascoltiamo solo per ultima, dopo aver sperimentato come “funzionassero” quelle stesse immagini accoppiate alla musica di compositori come Bach o Stravinsky, ad esempio.

L’esperimento è interessante e l’insegnamento che se ne trae viene racchiuso nel consiglio di tenere “aperta” (modificabile) il più possibile la partitura fino alle operazioni di missaggio e montaggio, scrivendo orchestrazioni ricche, che contemplino la possibilità di essere rimaneggiate all’occorrenza. Si parla, dunque, dell’importanza della fase di missaggio, dell’orchestrazione, di come l’insegnamento deii grandi autori classici sia penetrato profondamente anche nella scrittura della musica per le immagini, del concetto di “cluster” (un gruppo di note adiacenti – solitamente da tre a cinque – suonate simultaneamente, ndr), e si prosegue con ascolti e raffronti diversificati: da “Catch me if you can” (2002) di Steven Spielberg con un geniale lavoro di sincronizzazione sui titoli di testa da parte di John Williams, al classico “The man with the golden arm” (1955) di Otto Preminger, con quella che si può definire una delle prime colonne sonore di “crime jazz” ad opera di Elmer Bernstein; dalla straordinaria partitura di Bernard Herrmann per “North by NorthWest” (1959) di Alfred Hitchcock agli epici titoli di testa di Alex North per lo “Spartacus” (1960) di Stanley Kubrick, musica fortemente ispirata dai compositori russi del ‘900, Prokofiev (la colonna sonora di “Alexander Nevsky” di Sergei Eisenstein, 1938) e Shostakovich (in particolare la “Sinfonia n.7 – Op.60 – Leningrado”, 1941) su tutti.

La giornata si chiude con l’ascolto delle composizioni realizzate dai corsisti (la nenia sulla poesia di John Donne, ed una propria sonorizzazione di un frammento del documentario francese “Microcosmos”, diretto nel 1996 da Claude Nuridsany and Marie Pérennou, musicato da Bruno Coulais); così, tra riferimenti a Mahler e Brahms, Schoenberg e Britten, musica concreta e atonale, chiudiamo la giornata con alcuni ascolti con lettura di partitura, provenienti dall’esperienza dello stesso Piersanti [diversi brani dalla colonna sonora di “Anni felici” (2013) di Daniele Luchetti].

Il giorno successivo si apre su un doppio ragionamento, il primo legato in generale alla rapidità dei tempi lavorativi nel mondo del cinema (e della musica per il cinema, in particolare), il secondo basato su una comparazione tra il lavoro del compositore per il cinema e quello per la televisione.

Dopo aver opportunamente differenziato le produzioni televisive in base al paese di provenienza e al budget, sottolineando i differenti approcci per quanto riguarda le cifre a disposizione della colonna sonora in un caso e nell’altro e la quantità (decisamente più abbondante) di musica richiesta al musicista nel caso delle serie tv, Piersanti passa in rassegna alcuni lavori italiani per la tv, sia a firma propria (gli ottimi lavori composti ad esempio per “Il Commissario Montalbano”, con diversi film tv RAI, dal 1999 fino ad oggi), che di altri colleghi coinvolti in diverse produzioni RAI o Mediaset.

Viene sollevato poi l’argomento relativo all’utilizzo di musiche di repertorio (classica, jazz, pop, rock, etc) all’interno delle produzioni cinematografiche e televisive: anche sull’argomento i punti di vista variano, ed è importante – secondo Piersanti – ricercare una sorta di coerenza narrativa e musicale, soprattutto quando le musiche originali del compositore hanno una loro poetica interna forte, che non può essere adombrata da una scelta erronea delle musiche di repertorio.

Piersanti cita alcuni esempi personali sull’argomento, tratti dalla lavorazione del film “Mio fratello è figlio unico” (2007), diretto sempre da Daniele Luchetti, nel quale (come da titolo di una nota canzone del cantatutore Rino Gaetano) la musica originale del compositore convive, e bene, con alcune canzoni celebri dell’epoca in cui il film è ambientato (i tardi anni Sessanta), da Nada a Little Tony, fino a Betty Curtis. Si tratta di un espediente molto utilizzato nel cinema (si pensi a tutti quei film italiani – commedie, musicarelli, film di genere – prodotti nei primi anni ’60, nei quali era coinvolta la RCA Italiana, ma anche a Martin Scorsese o Quentin Tarantino, ad esempio), ma nella ricetta italiana sembra esistere una maggiore compenetrazione tra i due apparati musicali.

Un altro esempio di questo modus operandi viene riscontrato in un film abbastanza recente e di grande successo, “Drive” (2011) di Nicolas Winding Refn, in cui le cupe e rallentate cadenze musicali create da Cliff Martinez convivono con alcuni brani di repertorio, dall’elettronica di Kavinsky al pop sintetico dei Desire e di The Chromatics, fino al vero e proprio coup de teatre rappresentato dall’utilizzo del brano “Oh my love” (composto – nel 1971 per il mondo movie “Addio Zio Tom” di Jacopetti & Prosperi – dal Maestro Riz Ortolani ed interpretato dalla voce della moglie Katyna Ranieri), che – utilizzato nella scena della strage al bar – complice una slow motion molto efficace, ottiene un effetto fortemente emozionale e straniante.

Gli ultimi tre giorni del corso proseguono regolarmente, con una maggiore attenzione sulle prove pratiche assegnate dal Maestro ai corsisti: ascoltiamo insieme le loro composizioni, con le partiture aperte sul maxi schermo, per confrontarci sulle idee di base, sull’orchestrazione, sulla timbrica degli strumenti (altro elemento fondamentale, spiega il Piersanti, per costruire un suono originale e riconoscibile all’interno del mare magnum di produzioni per il cinema e la tv), sull’importanza della scrittura “tematica”: tra le clip assegnate lavori molto vari, dai corti di Georges Méliès (“Un homme de têtes” del 1898, “L’homme-orchestre” del 1900) a “Nosferatu il vampiro” (1922) di Friedrich Wilhelm Murnau, fino a “Pancho, el perro millonario” (2014) di Tom Fernandez.

Mentre alcuni dei corsisti utilizzano il breve tempo concesso loro per elaborare i propri lavori, io ne approfitto per svolgere un’intervista col Maestro Piersanti (che a breve pubblicheremo integralmente, ndr): parliamo di Sergio Miceli, della MasterClass in corso e degli studenti intervenuti, dei suoi esordi come compositore per il cinema, della figura di chi svolge questo mestiere oggi, etc etc.

Gli ultimi due giorni trascorrono, così, all’insegna degli ascolti del materiale originale dei corsisti e di ulteriori esempi di musica applicata: da colossi del cinema come “Butch Cassidy & The Sundance kid” (1969) di G. R. Hill, con la fantastica colonna sonora di Burt Bacharach accompagnato dai Ron Hicklin Singers, fino al più recente “Il giovane favoloso” (2015) di Mario Martone, con musiche davvero particolari del musicista tedesco Sascha Ring (noto anche con lo pseudonimo Apparat, per i suoi lavori di impronta più strettamente elettronica, ndr), vincitore del Premio “Piero Piccioni” per la miglior colonna sonora alla 71° Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia (2014), con la seguente motivazione: “Per l’inventiva con la quale il musicista riesce a innestare nel corpo delle immagini di Mario Martone sonorità e mondi apparentemente lontane da esse e a creare il tessuto emotivo di una percezione del mondo e della bellezza assolutamente originale. Il conflitto del poeta Leopardi con il mondo trova nelle strutture sonore di Ring un sorprendente correlato oggettivo che ne porta alla luce tutta la problematica ricchezza. La sfida di Martone di spezzare la percezione musealizzata di Leopardi trova nella scelta di Sascha Ring l’elemento in grado di calare la visione del poeta in una prospettiva schiettamente contemporanea. In questo modo l’alleanza fra regista e musicista ricrea quel senso di spaesamento che l’opera di Leopardi ha provocato nei contemporanei del poeta e che Martone ha riprodotto come discontinuità dalle versioni ufficiali. Un risultato originale e audace che possiede il dono di spiazzare, sorprendere, commuovere” (G.A. Nazzaro).

Un cerchio che si chiude, in pratica.

Da segnalare infine due interventi molto apprezzati dai corsisti: il primo, quello di Adriano Aponte, pluripremiato giovane compositore e pianista napoletano, “figlio” del prestigioso Berklee College of Music di Boston dove ha studiato “Film Scoring” ed ha successivamente ottenuto il suo Master’s Degree in Scoring for Film, TV and Video Games presso il campus di Valencia in Spagna, dove ha anche lavorato in qualità di Assistente di Tecnologia Musicale ai laureandi; in collegamento via Skype, Aponte si presta con pazienza e simpatia alle tante domande rivoltegli dal Maestro e dai corsisti, portando una ventata di freschezza, ma anche ribadendo la durezza, la fatica e l’abnegazione che un musicista che si dedica alla musica applicata deve possedere.

Il secondo, quello di Gianfranco Cabiddu, regista, direttore artistico del festival “Creuza De Mà – Musica per film” ed amico personale di Piersanti (il quale ha musicato diversi film del nostro): l’intervento di Cabiddu sposta la prospettiva dalla parte del regista (per quanto sui generis, avendo questi studiato musica al conservatorio e svolto diverse professioni del cinema –  dal rumorista al montatore – prima di diventare regista) e stimola dunque una serie di intreressanti curiosità dei corsisti.

Ancora il tempo di fare una foto di gruppo per celebrare il compleanno del Maestro Morricone e di completare gli ascolti delle composizioni originali dei corsisti, per poi passare ai lavori di chiusura, con la consegna degli attestati di partecipazione ed una serie di scambi dialettici più personali tra Piersanti e i giovani compositori iscritti alla MasterClass; vengono poi assegnate le clip di immagini da sonorizzare per l’esame finale del corso: l’esecuzione dal vivo – l’11 dicembre, nell’ambito della seconda tranche del festival “Creuza De Mà” – delle 5 composizioni selezionate presso il Conservatorio di Cagliari, con un ensemble assemblato per l’occasione e la direzione d’orchestra dello stesso Piersanti (che ha pure creato una delle clip assegnate agli studenti).

Qualche scambio di opinione, gli ultimi – immancabili – consigli e i saluti finali con torta e brindisi, per quelli che sono stati 7 giorni fantastici, impegnativi e davvero formativi.

Non c’è dubbio che questo tipo di corsi rispecchino la personalità e la formazione del compositore chiamato a tenerli, e questo è risultato evidente anche col Maestro Piersanti: pochi (o scarsi) riferimenti all’utilizzo del rock, alla black music, all’elettronica o alla commistione di questi generi diversi nella musica applicata, tutti ambiti piuttosto estranei all’opera del compositore in questione, che lavora sostanzialmente su un impianto neo-classico e con la grande orchestra. Ma è lo stesso Piersanti a sottolinearlo, affermando che “questa che vi ho riportato è la mia esperienza, figlia del mio percorso di studi e degli incontri che ho fatto nella mia vita.. l’anno prossimo verrà un altro compositore e vi potrà dire anche l’esatto contrario di ciò che vi ho ripetuto io per giorni, ma è questo il bello della musica e di quella applicata in particolare: non ha un valore oggettivo.”

Gianmarco Diana

Un plauso e un ringraziamento al Maestro Franco Piersanti, a Gianfranco Cabiddu, a Mattea Lissia, Francesca Madrigali, Monica Mureddu e l’associazione Backstage, al Conservatorio di Cagliari.

Un saluto affettuoso a tutti i corsisti che hanno partecipato alla MasterClass.

INFO: Festival Creuza De Mà – Musica per film

www.musicapercinema.it

CinematiCA – Suoni da e per il Cinema

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A Cagliari nasce la “MasterClass Sergio Miceli”

Omaggio al grande studioso di Musica per Cinema

Negli ultimi quarant’anni Sergio Miceli (Firenze 1944-2016) ha animato gli studi della musica applicata alle immagini con una dedizione assoluta: è stato uno dei massimi indagatori e studiosi della musica per cinema intesa come linguaggio, materia di studio e patrimonio culturale dell’età contemporanea, divenendo un imprescindibile punto di riferimento per studiosi e appassionati questa arte “multidisciplinare”.
La sua perdita lascia un vuoto incolmabile, sia umanamente che culturalmente.

La “MasterClass Sergio Miceli” che prenderà l’avvio il 7 novembre a Cagliari è un’importante iniziativa di alta formazione – promossa dal Festival Creuza de Mà-Musica per Cinema (giunto alla sua X edizione) e organizzata dall’Associazione Backstage – dedicata allo studio della composizione musicale per il cinema e non poteva che essere intitolata musicologo fiorentino che per primo ha contribuito, attraverso la sua ultratrentennale attività di ricerca, a inserire la storia e l’analisi della musica per film nell’ambito delle discipline accademiche.

Cagliari, è declinata dal Festival Creuza de Mà – Musica per cinema, in armonia con la parte carlofortina, come città della conoscenza e dell’alta formazione. Il corso di alta formazione sulla composizione di musica per cinema si pone l’obiettivo di favorire la nascita di nuovi compositori per il cinema attraverso un passaggio di conoscenza tra i Maestri e giovani musicisti per affinare le tecniche della drammaturgia musicale applicata alla “settima arte, sempre così in via di evoluzione”.

La “MasterClass Sergio Miceli”– che ha il privilegio di avere come presidente onorario il maestro Ennio Morricone e che vedrà ogni anno in cattedra un diverso compositore di chiara fama – in questa prima edizione sarà tenuta da uno dei più originali e rappresentativi autori di musica per il cinema: il compositore Franco Piersanti.

I lavori saranno articolati in due momenti distinti: dal 7 al 12 novembre si svolgerà il corso vero e proprio. Le sei giornate formative, che avranno come sede il Conservatorio di Musica “Giovanni Pierluigi da Palestrina”, sono incentrate su aspetti pratici e teorici: il rapporto tra regista e musicista, il lavoro con le immagini, la composizione, la registrazione, il mixaggio e il montaggio della musica sul film, l’estetica e la poetica del compositore di musica per il cinema, ma anche la composizione per la televisione, con lo studio su partiture di maestri e autori classici ed esercizi di scrittura musicale applicata a brevi sequenze filmiche.

Al termine del corso verranno consegnate ai partecipanti alcune sequenze filmiche sulle quali dovranno comporre un commento musicale. I brani verranno valutati da una giuria qualificata formata dallo stesso Franco Piersanti, dal regista Gianfranco Cabiddu e dal musicologo e autore di colonne sonore Riccardo Giagni.

Le migliori cinque composizioni selezionate saranno eseguite dal vivo l’11 dicembre all’Auditorium del Conservatorio, da una formazione da camera dell’istituto cagliaritano diretta per l’occasione proprio da Piersanti. In occasione del concerto finale interverranno per suggellare l’iniziativa Ennio Morricone, Franco Piersanti, il musicologo Antonio Trudu, il compositore e musicologo Riccardo Giagni, la musicologa Renata Scognamiglio, il compositore Daniele Furlati.

Per sancire ancor di più l’idea di impegno culturale è stato costituito un vero e proprio Comitato artistico a suo sostegno. Vi fanno parte: i registi Giuseppe Tornatore, Marco Tullio Giordana, Daniele Luchetti e Alberto Sironi, il montatore Roberto Perpignani, i compositori Carlo Crivelli, Franco Piersanti e Nicola Piovani, il produttore Carlo degli Esposti, la presidente della Fondazione Cinema per Roma Piera Detassis, i musicologi Renata Scognamiglio e Antonio Trudu, il giornalista e critico musicale, Alberto Dentice, il Centro sperimentale di cinematografia di Roma e il concorso internazionale di musica per immagini “Francesco Angelo Lavagnino”.
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Sergio Miceli (Firenze 1944 – 2016)
Intellettuale a tutto campo (in gioventù aveva studiato pittura e storia dell’arte), animato da grande passione civile, spirito fieramente laico, mente critica lungimirante e multidisciplinare, Sergio Miceli lascia un grande vuoto tra gli appassionati a vario titolo di musica per immagini: è anche grazie a lui e alla mole di opere e testimonianze che ci consegna se, oggi, essi possono non sentirsi più una setta stravagante, dedita ad un hobby costoso e bizzarro, ma una comunità sempre più numerosa e coesa dalla condivisione della musica “per” film come grande, insostituibile patrimonio culturale del nostro tempo.
Miceli ha rotto il tabù, ottuso e coriaceo, che la musicologia “ufficiale” riserva alla musica per film, perlustrandone oltre agli aspetti più strettamente linguistici anche quelli psicologici, storici, strutturali, in una visione multiculturale più ampia. Uomo da un non facile carattere, pignolo e scientifico: se provavate a dire “musica DA film” venivate fulminati dal suo sguardo azzurro), capace di grandi passioni e travolgenti simpatie ma anche di ostinate, rancorose esclusioni.

Quanto alle pubblicazioni, ci accontentiamo di citare “Musica e cinema nella cultura del Novecento” (Sansoni 2000), “Musica per film – Storia, estetica, analisi e tipologie” (Ricordi, 2009), e “Morricone, la musica, il cinema” (Ricordi Mucchi, 94): se nei primi due la vastità del campo di osservazione è circoscritta da un ferreo metodo scientifico e da una lucida visione storiografica, tale da consentire un dipanarsi coerente e fluido delle diverse teorie e applicazioni di musica e immagine, nel suo studio morriconiano colpiscono l’intuito e la chiarezza espositiva con cui Miceli individua già nelle primissime, apparentemente trascurabili fatiche del maestro (si pensi al suo lavoro di arrangiatore “leggero”) i germi del futuro, sommo compositore per il cinema, nel ripetersi di alcune organizzazioni armoniche e melodiche, nel ricorrere di alcune soluzioni strumentali, più in generale nell’abbandono sempre più radicale di procedure compositive tradizionali a favore di una spinta innovativa propulsiva, capace di tenere insieme, governati da un unico pensiero musicale ed “(est)etico” le canzoni di Morandi e Mina, l’improvvisazione di avanguardia di Nuova Consonanza e i western di Sergio Leone.

(Fonte Colonnesonore.net Roberto Pugliese)